„Dann begannen die Stimmen der Ainur, wie Harfen und Lauten und Pfeifen und Trompeten und Gamben und Orgeln und wie unzählige Chöre, die mit Worten singen, das Thema von Iluvatar zu einer großartigen Musik zu vertonen; und ein Klang erhob sich endlose, sich gegenseitig wechselnde Melodien, die in Harmonie verwoben waren, die jenseits des Hörens in die Tiefen und in die Höhen reichten, und die Orte der Wohnung von Iluvatar waren bis zum Überlaufen gefüllt, und die Musik und das Echo der Musik gingen hinaus in die Leere, und das war es nicht Leere"
J.R.R. Tolkien, Das Silmarillion
Musik ist mehr als nur Klang. Musik ist mehr als nur Schwingungen und Töne. Musik geht über Noten hinaus. Es ist überall. Es ist in uns. In jeder Aktion, jedem Moment und jeder Emotion. Es begleitet uns seit unserem ersten Atemzug und treibt uns bis zum letzten an. Es ist schwer zu sagen, wo wir ohne sie wären, wenn man bedenkt, dass Musik die Säule der Entstehung unseres Universums ist. In gewisser Weise sind wir Teil eines großen Orchesters. Wir sind alle Teil des Liedes des Universums.
Künstler sind sich dessen bewusst und lassen sich von ihrer Umgebung inspirieren. Die Natur ist eine starke Inspirationsquelle. Unsere Erfahrungen funktionieren auch. Aber ich denke, dass die beste Quelle das ist, was uns Menschen ausmacht, unsere Emotionen und Empathie. Und das, das ist es, was einem Musiker oder Komponisten etwas mehr ermöglicht, etwas, das bis ans Ende der Zeit bei seinen Fans bleiben wird. Eine von ihnen ist Rachel Nusbaumer, eine junge und talentierte Komponistin aus Genf, der Schweizer Stadt am Biegenden Fluss.
Viele Musiker fangen an, weil Musik ein Teil von ihnen ist, aber für Rachel war es anders. Ihre Eigenart entdeckte sie bereits im Alter von vier Jahren. Sie war fasziniert davon, von der Möglichkeit, ihre Gefühle auszudrücken. Musik wurde nicht nur seine Leidenschaft, sondern auch ihr Lebenskompass, was sie im Gleichgewicht hielt, sie aufrichtete, wenn sie traurig war und was ihr Glück steigerte. Angefangen hat alles mit zwei Instrumenten, die nicht Mainstream sind, aber sie auf den ersten Blick liebte: Flöte und Oboe. Diese studierte sie am Konservatorium von Delémont und Genf. Aber sie wollte nicht bei dem bleiben, was andere Leute ihr beigebracht haben, sondern sie wollte sich verzweigen und ihren eigenen Weg und ihr eigenes Genre finden.
Zuerst begann sie mit Tonträgern, aber was begeisterte, war ein Nischengenre, das früher an königlichen Höfen für Könige und Königinnen gespielt wurde: Barock, und sie mochte es italienisch. Danach betrat sie eine riesige Welt von Komponisten aus aller Welt. Drei davon erregten ihre Aufmerksamkeit: Bach, Bergersen und Richter. Messe en si von Bach hat sie beim ersten Hören wirklich beeindruckt. Sie war jung und es war eines ihrer ersten Konzerte, eine Erfahrung, die sie für unglaublich hält. Sie hält Bergersen für eine Art Genie, weil ihrer Meinung nach alle seine Tracks Meisterwerke sind, insbesondere Cry, Forever More und Canon in D. „The Nature of Daylight“ hat sie dazu gebracht, sich in Richter zu verlieben. Klassische Musik war nur die Spitze des Eisbergs und ihr erweitertes Wissen in Richtung neoklassischer Musik und Soundtracks. Das kam nicht aus heiterem Himmel, denn zuvor hat sie es immer geliebt, was passiert, wenn klassische Musik auf moderne Klänge trifft. Ein Interesse, das mit Yanni, einer griechischen Komponistin, begann, aber es war schon immer in ihrer DNA, weil sie ihre Musik zu gerne mit Bildern verbindet und Kino das beste Medium ist, um dies auszudrücken.
Sie entdeckte Soundtracks mit dem großartigen Ennio Morricone, einem Künstler, der zu ihrem Favoriten wurde, nachdem er den Film Mission gesehen hatte. Sie findet das Oboenthema ziemlich bemerkenswert. Das passiert, wenn du eine so starke Verbindung zu dem Instrument herstellst, mit dem deine musikalische Reise begonnen hat. Nachdem er die Entdeckung anderer Talente wie Hans Zimmer verfolgt hat, muss ich ihn nicht vorstellen, weil er überall ist, Alexandre Desplat, bekannt für The Imitation Game und Argo, und Ramin Djawadi, der eine kleine Show namens Game of Thrones gedreht hat. Sie erinnert sich gut an ein Konzert von Hans Zimmer, das sie letztes Jahr besuchte. Das hätte unglaublich sein sollen. Hans ist unglaublich. Trotzdem kommt in ihrem Lieblingsfilm keiner davon vor, was seltsam ist. Aber ich denke, dass sie einen guten Geschmack hat, weil sie Sachen wie Into the Wild, Thelma & Louise, Le Prénom, einen französischen Film, Pride and Prejudice und Emma mag. Ich könnte dasselbe über Serien sagen, weil sie How I Met Your Mother und Sitcoms mag, auch wenn das Ende nicht so gut ist.
Was ich besonders interessant finde, ist ihr künstlerischer Prozess. Ich denke, dass ihre Worte echter wirken werden, weil ihre Werke alle nach der gleichen Reihenfolge aufgebaut sind. Es könnte als ihr Markenzeichen gelten. Wie sie sagt:
„Wenn ich mit einem Track beginne, habe ich absolut keine Ahnung, was ich tun werde. Ich warte auf die Inspiration, ich spiele mit meinem Keyboard, ich versuche, Instrumente auszuwählen, die für mich gut klingen. Ich experimentiere und dann, wenn ich denke, ich Wenn ich etwas Interessantes habe, nehme ich es auf und komponiere um dieses Thema herum."
Daraus entsteht ihre Musik, die sie als introspektiven und emotionalen Prozess versteht.
Von all ihren Alben hält sie Baroquissima für ihr bestes. Ein Projekt, das in ihrer Jugend geboren wurde und eine Hommage an die italienische Barockmusik darstellt. Eine Idee, die beim Blockflötenspielen entstand. Mit diesen Instrumenten spielte sie Kompositionen von Vivaldi, Corelli und Albinoni, deren Energie, Leidenschaft und Modernität ihres Schreibens sie tief berührten. Alles begann, als sie 15 Jahre alt war, als sie keinen PC hatte, um ihre Werke zu komponieren, und sie nichts über MAO wusste. In dieser Zeit schrieb sie das Concerto per Flauto e Oboe, eine Leistung, die für einen Teenager bemerkenswert ist. Alles war auf Papier geschrieben und der Rest blieb jahrelang in ihrem Kopf hängen, bevor sie wieder daran zu arbeiten begann. Hier erklärt sie, wie die Tracks dieses Albums zum Leben erweckt wurden:
„Es ist nicht leicht zu erklären … Wenn ich anfange, an einem neuen Track zu arbeiten, habe ich immer hohe Erwartungen, weil ich mein Meisterwerk machen möchte, was selten der Fall ist, aber es ist mein Ziel. Ich muss inspiriert werden. Manchmal Inspiration kommt, manchmal nicht. Ich muss warten, bis ich wirklich inspiriert bin. Dann vergesse ich alles um mich herum und bin allein mit meiner Musik, die Welt existiert nicht mehr. Ich liebe dieses Gefühl. Normalerweise komponiere ich nachts, wenn meine Kinder schlafen. Ich liebe diese Atmosphäre nachts, wenn ich mich mit meiner Musik allein fühle.“
Und jetzt, jetzt ist es an der Zeit, die Tracks von Baroquissima zu analysieren, zu verstehen, was sie uns mit ihrer Musik sagen wollte und wie jedes Stück im Ensemble steht.
Der erste Track ist Adagio in a-Moll, ein beruhigender Track, der an smaragdgrüne Grasfelder unter einem blauen, makellosen Himmel erinnert. Die sanfte Brise des Windes streichelt uns und lässt uns staunen und entspannen. Wir legen uns hin, schließen unsere Augen und meditieren in Stille. Sie sagt das:
„Ich wollte ein klassisches Stück mit all den klassischen Merkmalen darin schaffen. Etwas ziemlich Majestätisches, da es der erste Track des Albums ist, wie eine Operneröffnung.“
Figlie di Coro ist das folgende und ähnelt eher den Liedern, die an den Königshöfen Europas gespielt wurden. Es scheint eine Geschichte zu erzählen, wie ein Barde, eine Geschichte über Abenteuer und Liebe im mittelalterlichen Europa. Es ist etwas schneller und weniger leise als das vorherige und scheint dazu da zu sein, uns auf einen aufsteigenden Höhepunkt vorzubereiten. In ihren eigenen Worten:
„Ich erinnere mich an meinen Blockflötenunterricht bei meiner Lehrerin. Die Lehrerin meiner Blockflöte war wirklich sehr wichtig für mich. Ich habe es ihr nicht gesagt, aber es ist ein bisschen für sie, dass ich dieses Stück komponiert habe. Dies ist ein nostalgischer Track, weil ich bin ein bisschen nostalgisch in Bezug auf diese Zeit meines Lebens"
Das dritte ist Anthem for an Archangel und es ist eine Mischung aus kirchlicher und epischer Musik. Die Pfeifenorgel ist das herausragende Instrument. Meiner Meinung nach klingt es wie ein Requiem für einen gefallenen Erzengel. Es ist völlig anders als das, was vorher kam, und deshalb sticht es heraus. Rahel denkt:
„Dies ist ein altes Stück, das ich vor Jahren komponiert habe. Ich dachte, es könnte zu meinem Barockalbum passen. Ich habe es gemacht, nachdem ich eine neue Orchesterbibliothek gekauft hatte, und ich mochte den Klang der Orgel wirklich hat mich dazu inspiriert, ein „Kirchenstück“ zu schaffen. Ich wollte etwas sehr Feierliches für dieses Stück.“
La Follia wirkt zunächst wie die Musik, zu der Royals früher auf Bällen getanzt haben. Nach einer Weile wird es wie ein Kriegsmarsch und es ist besonders erhebend.
„Dies ist eine lange Geschichte zwischen La Follia und mir. Ich erinnere mich, dass mein Lehrer einmal mit der Partitur kam. Ich spielte es zum ersten Mal und verliebte mich in dieses Thema und alle Variationen (es sind die von Corelli). Ich habe in meinem Leben viele, viele Variationen komponiert. Und ich habe beschlossen, diese in mein Album aufzunehmen, das war ein Beweis.“
Concerto per Flauto e Oboe- 2 Mvt. Largo und Concerto per Flauto e Oboe- 3 Mvt. Vivace sind die Tracks, über die ich zuvor gesprochen habe, und ich denke, das ist Rachels Lieblingskomposition. Hier verlangsamt sich das Album zum Atmen und Entspannen. Ich denke, dass es keine andere Möglichkeit gibt, meine Gefühle auszudrücken, während ich mir das anhöre. Es scheint die Art von Musik zu sein, die gut in den Herrn der Ringe als Hobbit-Thema passen könnte.
"Das war ein ziemlich langer Prozess. Ich habe das "Concerto per flauto e oboe" komponiert, als ich ungefähr 15 war. Zu seiner Zeit wusste ich nichts über MAO, ich besaß nicht einmal einen Computer. Also ich Ich schrieb es auf ein Blatt Papier, die Musik war nur in meinem Kopf. Dann, viele Jahre später (und etwas mehr Übung mit Cubase und Soundbibliotheken), dachte ich, es sei an der Zeit, es live zu bringen. Ich nahm meine alten Partitionen zurück und ich Ich habe es auf meinem Computer geschrieben, mit meinen Orchesterbibliotheken. Ich war tief bewegt, als ich es zum ersten Mal hörte. Das ist die ganze Magie und Kraft der Musik! Ich bin etwas frustriert über den Gesamtklang meines Konzerts, das war es Es ist wirklich schwer, es mit virtuellen Instrumenten zu programmieren, ich bin sicher, es sollte mit echten Spielern besser klingen."
Conversazione tra Allegorie, ein interessanter Titel. Ist am lebhaftesten und ich mag das Tempo. Ich mag die Tatsache, dass es wie ein Dialog wirkt, ein animierter und emotionaler. Dies ist einer meiner Favoriten.
„Ich wurde von diesem Geigensound inspiriert. Ich habe gerade Spitfire Solo Violine gekauft, als ich diesen Track gemacht habe. Ich habe gerade mit diesem neuen Sound auf meinem Keyboard gespielt, um den Sound zu hören, zu sehen, wie man mit den verschiedenen Artikulationen, Mikrofonen usw. spielt , und dann kam dieses Thema heraus. Ich dachte, ich könnte etwas damit machen. Ich wollte eine Art barocke Fuge schaffen, etwas sehr Energievolles, eine Art Dialog zwischen den 2 Violinen. Ich war wirklich glücklich mit dem Ergebnis und Ich denke, es könnte mein Lieblingstrack des Albums sein."
Das nächste ist Andante per la Serenissima. Die Serenissima ist Venedig und so nannten es die Menschen in der Vergangenheit, als es ein Königreich war. Ich denke, es soll eine Hommage an die Stadt und ihre Kanäle sein. Es klingt wie der Einzug eines fremden Königs durch Venedig, kann aber auch als Begleitmusik zum venezianischen Karneval wirken. Es hat ein gutes Tempo und es zieht nicht.
"Es ist eine Hommage an die italienische Barockmusik und an Meister wie Vivaldi, Corelli, Albinoni etc. Auch für dieses wollte ich etwas ganz Pompöses"
Kappelmeister beginnt langsam, aber das Tempo wächst während der Komposition und gipfelt in epischen Klängen. Ich weiß nicht, warum es an einen tobenden Kampf denken lässt, bei dem es auf beiden Seiten große Verluste gibt. Ich denke, dass dies ihr unbeliebtestes Stück des Albums ist. Ich meine, ihre Worte sind ziemlich klar:
"Ich habe nur versucht, etwas Epischeres zu machen"
Venezia 2020, ein komischer Titel, aber das Stück klingt gut. Es macht mich hoffnungsvoll und entspannt und bringt mich in gewisser Weise zurück in meine Kindheit. Hier wird ein echter und zärtlicher Stil gezeigt, was wunderbar ist. Ich mag die Entscheidung, es dynamisch zu machen, weil es ein Gefühl von Freiheit ausstrahlt. Meiner Meinung nach hätte es abwechslungsreicher sein sollen, aber es ist interessant zu wissen, dass dieser Track während ihrer Jugend komponiert und hier remastert wurde. Wie sie mit Ehrlichkeit und Demut sagt:
"Die Sounds waren schrecklich, ich wusste nichts über Mixing und Mastering, aber 15 Jahre später beschloss ich, es komplett neu zu bearbeiten, und hier ist die neue Version"
Der letzte ist Masquerade und könnte als Bonustrack dieses Albums angesehen werden. Es scheint wie Vivaldi und der Stil passt perfekt zum Titel, weil er gut für Gala und Co funktioniert, weil er sich durch ein hohes Maß an Pomp auszeichnet. Die Aufnahme des Refrains erhebt die Tracks und macht sie göttlich. Der letzte Teil ist der beste, weil er wie ein Höhepunkt ist.
Rachel ist eine talentierte Komponistin, und wie wir bei der Analyse von Baroquissima gesehen haben, hat sie viele gute Ideen und eine außergewöhnliche Ausführung. Ich denke, wenn du auf klassische und epische Musik stehst, wirst du sie lieben. Jede ihrer Kreationen ist von ihren Emotionen und Gefühlen durchdrungen und das Ergebnis jahrelanger Hingabe und Erfahrung.
Von @the_owlseyes
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