"Alors les voix des Ainur, semblables aux harpes et aux luths, aux flûtes et aux trompettes, aux violes et aux orgues, et semblables à d'innombrables chœurs chantant avec des paroles, commencèrent à associer le thème d'Iluvatar à une grande musique ; et un son s'éleva de des mélodies interminables tissées en harmonie qui passaient au-delà de l'ouïe dans les profondeurs et dans les hauteurs, et les lieux de la demeure d'Iluvatar étaient remplis à débordement, et la musique et l'écho de la musique sortaient dans le Vide, et ce n'était pas annuler"
J.R.R. Tolkien, Le Silmarillion
La musique est plus que du son. La musique est plus que des vibrations et des tonalités. La musique va au-delà des notes de musique. Il y en a partout. C'est en nous. Dans chaque action, chaque instant et chaque émotion. C'est avec nous depuis notre premier souffle et c'est ce qui nous pousse jusqu'au dernier. Difficile de dire où nous en serions sans elle, sachant que la musique est le pilier de la genèse de notre Univers. D'une certaine manière, nous faisons partie d'un grand orchestre. Nous faisons tous partie de la chanson de l'univers.
Les artistes en sont conscients et s'inspirent de ce qui les entoure. La nature est une puissante source d'inspiration. Nos expériences fonctionnent aussi. Mais je pense que la meilleure source est ce qui fait de nous des humains, nos émotions et notre empathie. Et ça, c'est ça qui permet à un musicien ou à un compositeur quelque chose de plus, quelque chose qui restera avec ses fans jusqu'à la fin des temps. L'une d'entre elles est Rachel Nusbaumer, une jeune et talentueuse compositrice de Genève, la ville suisse du fleuve courbé.
Beaucoup de musiciens se lancent parce que la musique fait partie du leur mais pour Rachel c'était différent. Elle a découvert sa bizarrerie alors qu'elle n'avait que quatre ans. Elle en était fascinée, par la possibilité d'exprimer ses émotions. La musique est devenue non seulement sa passion, mais aussi la boussole de sa vie, ce qui l'a maintenue en équilibre, ce qui l'a relevée lorsqu'elle était triste et ce qui a accru son bonheur. Tout a commencé avec deux instruments peu courants mais qui lui ont plu au premier regard : la flûte et le hautbois. Elle les étudie au Conservatoire de Delémont et de Genève. Mais elle ne voulait pas s'en tenir à ce que les autres lui avaient appris et elle voulait se diversifier et trouver sa propre voie et son propre genre.
Au début, elle a commencé avec la musique enregistrée, mais ce qui l'excitait, c'était un genre de niche qui était joué dans les cours royales pour les rois et les reines : le baroque, et elle l'aimait l'italien. Après cela, elle est entrée dans un monde immense de compositeurs du monde entier. Trois d'entre eux ont retenu son attention : Bach, Bergersen et Richter. Messe en si de Bach l'a vraiment impressionnée la 1ère fois qu'elle l'a écouté. Elle était jeune et c'était l'un de ses premiers concerts, une expérience qu'elle considère comme incroyable. Elle considère Bergersen comme une sorte de génie car, à son avis, tous ses morceaux sont des chefs-d'œuvre, en particulier Cry, Forever More et Canon in D. The Nature of Daylight est ce qui l'a fait tomber amoureuse de Richter. La musique classique n'était que la pointe de l'iceberg et ses connaissances élargies vers la musique et les bandes sonores néoclassiques. Ce n'était pas à l'improviste car avant cela, elle a toujours aimé ce qui se passe lorsque la musique classique rencontre des sons modernes. Un intérêt qui a commencé avec Yanni, un compositeur grec, mais qui a toujours été dans son ADN, car elle aime aussi associer sa musique à des images et le cinéma est le meilleur médium pour l'exprimer.
Elle a découvert les bandes originales avec le grand Ennio Morricone, un artiste qui est devenu son préféré après avoir vu le film Mission. Elle trouve le thème du hautbois assez remarquable. C'est ce qui se passe lorsque vous créez une connexion aussi forte avec l'instrument qui a commencé votre voyage musical. Après lui a suivi la découverte d'autres talents comme Hans Zimmer, je n'ai pas besoin de le présenter car il est partout, Alexandre Desplat, connu pour The Imitation Game et Argo, et Ramin Djawadi, qui a signé une petite émission intitulée Game of Thrones. Elle se souvient très bien d'un concert de Hans Zimmer auquel elle avait assisté l'année dernière. Cela aurait dû être incroyable. Hans est incroyable. Néanmoins, son film préféré n'en présente aucun, ce qui est étrange. Mais je pense qu'elle a bon goût parce qu'elle aime des trucs comme Into the Wild, Thelma & Louise, Le Prénom, un film français, Pride and Prejudice et Emma. Je pourrais dire la même chose des séries parce qu'elle aime How I Met Your Mother et les sitcoms, même si la fin n'est pas très bonne.
Ce que je trouve particulièrement intéressant, c'est sa démarche artistique. Je pense que ses propos paraîtront plus authentiques, car ses œuvres, toutes, se construisent en suivant la même séquence. Cela pourrait être considéré comme sa marque de fabrique. Comme elle le dit :
"Quand je commence un morceau je n'ai absolument aucune idée de ce que je vais faire. J'attends que l'inspiration vienne, je joue avec mon clavier, j'essaie de choisir des instruments qui sonnent bien pour moi. J'expérimente et puis quand je pense que je quelque chose d'intéressant, je l'enregistre et je compose autour de ce thème"
C'est à partir de là qu'est née sa musique qu'elle considère comme un processus instrospectif et émotionnel.
De tous ses albums, celui qu'elle considère comme le meilleur est Baroquissima. Un projet né quand elle était plus jeune et c'est un hommage à la musique baroque italienne. Une idée qui a commencé à germer en jouant de la flûte à bec. Avec cet instrument, elle interprétait des compositions de Vivaldi, Corelli et Albinoni, dont l'énergie, la passion et la modernité de leur écriture l'ont profondément touchée. Tout a commencé lorsqu'elle avait 15 ans, alors qu'elle n'avait pas de PC pour composer ses œuvres et qu'elle ne connaissait pas MAO. À cette époque, elle écrit Concerto per Flauto e Oboe, un exploit remarquable pour une adolescente. Tout était écrit sur papier et le reste resterait coincé dans sa tête pendant des années, avant qu'elle ne recommence à travailler dessus. Elle explique ici comment les morceaux de cet album ont pris vie :
"Ce n'est pas facile à expliquer... Quand je commence à travailler sur un nouveau morceau, j'ai toujours de grandes attentes car je veux faire mon chef-d'oeuvre, ce qui est rarement le cas mais c'est mon objectif. J'ai besoin d'être inspiré. Parfois l'inspiration vient, parfois non. J'ai besoin d'attendre jusqu'à ce que je sois vraiment inspiré. Ensuite, j'oublie tout ce qui m'entoure et je me retrouve seul avec ma musique, le monde n'existe plus. J'aime ce sentiment. Je compose habituellement à la nuit, quand mes enfants dorment. J'adore cette ambiance la nuit, quand je me sens seul avec ma musique."
Et maintenant, maintenant il est temps d'analyser les pistes de Baroquissima, de comprendre ce qu'elle voulait nous dire avec sa musique et comment chaque pièce se situe dans l'ensemble.
Le premier titre est Adagio en la mineur, un titre apaisant qui évoque des champs d'herbe émeraude sous un ciel bleu immaculé. La douce brise du vent nous caresse et nous laisse nous émerveiller et nous détendre. Nous nous couchons et fermons les yeux, méditant dans le calme. Elle dit que:
"Je voulais créer un morceau classique avec tous les marqueurs classiques dedans. Quelque chose d'assez majestueux car c'est le 1er morceau de l'album, comme une ouverture d'opéra"
Figlie di Coro est la suivante et ressemble plus aux chansons qui se jouaient dans les cours royales d'europe. Il semble raconter une histoire, comme un barde, un conte d'aventure et d'amour dans l'Europe médiévale. Il est légèrement plus rapide et moins silencieux que le précédent et il semble là pour nous préparer à un paroxysme ascendant. Dans ses propres mots :
"Je me souviens de mes cours de flûte à bec, avec mon professeur. Mon professeur de flûte à bec a été très important pour moi, vraiment. Je ne lui ai pas dit, mais c'est un peu pour elle que j'ai composé ce morceau. C'est un morceau nostalgique parce que je suis un peu nostalgique de cette période de ma vie"
Le troisième est Anthem for an Archangel et c'est un mélange de musique d'église et épique. L'orgue à tuyaux est l'instrument dominant. À mon avis, cela ressemble à un requiem pour un archange déchu. C'est complètement différent de ce qui existait avant et c'est pourquoi il se démarque. Rachel pense que :
"C'est une vieille pièce que j'ai composée il y a des années. J'ai pensé qu'elle pourrait convenir à mon album baroque. Je l'ai faite après avoir acheté une nouvelle bibliothèque orchestrale et j'ai beaucoup aimé le son de l'orgue. C'est ce son qui m'a inspiré pour créer une pièce "d'église". Je voulais quelque chose de très solennel pour celle-ci"
La Follia ressemble à la musique avec laquelle la famille royale avait l'habitude de danser pendant les bals, au début. Au bout d'un moment, ça devient comme une marche guerrière et c'est particulièrement édifiant.
"C'est une longue histoire entre La Follia et moi. Je me souviens que mon professeur est venu une fois avec la partition. Je l'ai jouée pour la 1ère fois et je me suis sentie amoureuse de ce thème et de toutes les variations (c'est celles de Corelli). Puis J'ai composé de nombreuses variations au cours de ma vie. Et j'ai décidé de les inclure dans mon album, c'était une évidence"
Concerto pour Flauto et Hautbois - 2 Mvt. Largo et Concerto pour Flauto et Hautbois - 3 Mvt. Vivace sont les morceaux dont j'ai parlé précédemment et je pense que c'est la composition préférée de Rachel. C'est là que l'album ralentit pour respirer et se détendre. Je pense qu'il n'y a pas d'autre moyen d'exprimer mes sentiments pendant que j'écoute ça. Cela semble être le genre de musique qui pourrait bien s'intégrer dans Le Seigneur des Anneaux en tant que thème Hobbit.
"Cela a été un processus assez long. J'ai composé le "Concerto per flauto e hautboe" quand j'avais environ 15 ans. A son époque, je ne connaissais rien au MAO, je n'avais même pas d'ordinateur. Alors j'ai écrit sur une feuille de papier, la musique n'était que dans ma tête. Puis, bien des années plus tard (et un peu plus de pratique sur Cubase et les bibliothèques de sons), j'ai pensé qu'il était temps de le faire vivre. J'ai repris mes anciennes partitions et j'ai l'ai écrit sur mon ordinateur, avec mes bibliothèques d'orchestre. J'ai été profondément ému quand je l'ai écouté pour la 1ère fois. C'est toute la magie et la puissance de la musique ! Je suis un peu frustré par le son général de mon concerto, c'était vraiment difficile de le programmer avec des instruments virtuels, je suis sûr que ça devrait mieux sonner avec de vrais joueurs"
Conversazione tra Allegorie, un titre intéressant. Est le plus animé et j'aime le rythme. J'aime le fait que cela ressemble à un dialogue, animé et émotionnel. C'est l'un de mes préférés.
"Je me suis inspiré de ce son de violon. Je viens d'acheter le violon solo Spitfire quand j'ai fait ce morceau. Je jouais juste avec ce nouveau son sur mon clavier, pour écouter le son, voir comment jouer avec les différentes articulations, micros, etc. , et puis ce thème est sorti. Je me suis dit que je pouvais en faire quelque chose. Je voulais créer une sorte de fugue baroque, quelque chose de très énergique, une sorte de dialogue entre les 2 violons. J'étais vraiment content du résultat et Je pense que c'est peut-être mon morceau préféré de l'album"
Le suivant est Andante per la Serenissima. La Sérénissime est Venise et c'est ainsi que les gens l'appelaient dans le passé, quand c'était un royaume. Je pense qu'il se veut un hommage à la ville et à ses canaux. Cela ressemble à l'entrée d'un roi étranger par Venise, mais cela peut aussi servir d'accompagnement pour le Carnaval de Venise. Il a un bon rythme et il ne traîne pas.
"C'est un hommage à la musique baroque italienne et à des maîtres comme Vivaldi, Corelli, Albinoni etc. Pour celui-ci aussi je voulais quelque chose d'assez pompeux"
Kappelmeister, qui signifie Maître de la Chapelle, démarre lentement mais le rythme s'accélère au cours de la composition et culmine dans des sonorités épiques. Je ne sais pas pourquoi cela fait penser à une bataille qui fait rage où il y a de lourdes pertes des deux côtés. Je pense que c'est son morceau le moins préféré de l'album. Je veux dire, ses mots sont assez clairs :
"J'essayais juste de faire quelque chose de plus épique"
Venezia 2020, un titre bizarre, mais le morceau a de bons sons. Cela me donne de l'espoir et me détend et, d'une certaine manière, cela me ramène à mon enfance. Il y a ici un style authentique et tendre, une chose merveilleuse. J'aime la décision de le rendre dynamique, car il dégage un sentiment de liberté. A mon avis ça aurait dû être plus varié mais c'est intéressant de savoir que ce morceau a été composé pendant son adolescence et qu'il a été remasterisé ici. Comme elle le dit avec honnêteté et humilité :
"Les sons étaient horribles, je ne connaissais rien au mixage et au mastering, mais 15 ans plus tard j'ai décidé de le retravailler complètement, et voici la nouvelle version"
Le dernier est Masquerade et il pourrait être considéré comme le morceau bonus de cet album. Cela ressemble à Vivaldi et le style correspond parfaitement au titre car il fonctionne bien pour Gala et autres car il se caractérise par un haut niveau de faste. L'inclusion du chœur élève les pistes et les rend divines. La dernière partie est la meilleure parce que c'est comme un point culminant.
Rachel est une compositrice talentueuse et, comme nous l'avons vu lors de l'analyse de Baroquissima, elle a beaucoup de bonnes idées et une exécution exceptionnelle. Je pense que si vous aimez la musique classique et épique, vous allez l'adorer. Chacune de ses créations est imprégnée de ses émotions et de ses sentiments et c'est le résultat d'années et d'années de dévouement et d'expérience.
Par @the_owlseyes
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